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The art of the Sistine Chapel, decorated by artists who competed
with one another and commissioned by popes who were equally
competitive, is a complex fabric of thematic, chronological, and
artistic references. Four main campaigns were undertaken to
decorate the chapel between 1481 and 1541, and with each new
addition, fundamental themes found increasingly concrete
expression. One theme in particular plays a central role in the
chapel: the legitimization of papal authority, as symbolized by two
keys-one silver, one gold-to the kingdom of heaven. "The Sistine
Chapel: Paradise in Rome" provides a concise, informative account
of the decoration of the Sistine Chapel. In unpacking this complex
history, Ulrich Pfisterer reveals the remarkable unity of the
images in relation to theology, politics, and the intentions of the
artists themselves, who included such household names as
Botticelli, Michelangelo, and Raphael. Through a study of the main
campaigns to adorn the Sistine Chapel, Pfisterer argues that the
art transformed the chapel into a pathway to the kingdom of God,
legitimising the absolute authority of the popes. First published
in German, the prose comes to life in English in the deft hands of
translator David Dollenmayer.
Based on the key concepts of 'pluralization' and 'authority', the
series presents studies on early modern literature and culture from
the 15th to the 17th century. The early modern period is
increasingly recognized in cultural studies as an age whose
cultural paradigms still largely depended on medieval norms and
traditions but at the same time also created a set of conditions
that facilitated Europe's transition to modernity. As opposed to
established historical grand narratives such as modernization or
secularization, the volumes in this series attempt to describe the
dynamics of the period as a complex interaction of mutually
competing world views, knowledge structures and behaviour patterns.
The series explores these dynamics from an interdisciplinary
perspective, including studies on literature, linguistics, history,
philosophy, art, music and legal history.
One of the most mysterious buildings in the Western hemisphere,
King Henri Christophe's lavish neoclassical palace in the rain
forest, enthrones the small Haitian town of Milot. Begun less than
a decade after the Haitian Revolution for independence (1804) by
the first black African king in the Americas, this massive monument
was built to showcase Haiti's power and self-confidence. Despite
its status as UNESCO World Heritage and a tourist attraction, the
unusual building has never before been the subject of a study. On
the basis of unpublished archival sources and exact photographic
documentation, this book is the first to publish detailed
information about the genesis this extraordinary architecture and
the story of its builder.
The visualization of power takes place until today quite
significantly via visualizations of the body. Expressed pointedly:
there is no power without pictures of the body. This also applies
in particular to the European societies of the Middle Ages and
early modern period, in which the body of the ruler was both a
guarantee and a preferred projection figure for the political
order. In this body, not only was power legitimized, but also
constituted in the first place by means of countless documents of
representation - and thus through pictures of the body in actu.This
volume strives for the first time to "spell out" an "iconography of
the political in action".
Das Lexikon erlautert die zentralen Leitideen, Methoden und
Hilfsmittel der Kunstgeschichte bis hin zu jungsten
Forschungsansatzen. In etwa 150 Stichwoertern, z.B. Original,
Falschung, Reprasentation, Kunsthandler, Kunstmarkt, Manierismus,
Ende der Kunst, wird dabei auch die wissenschaftsgeschichtliche
Entwicklung der Disziplin ausfuhrlich dargestellt. Damit steht das
Werk ausser Konkurrenz. Die Autoren erlautern Begriffe und Theorien
aus der Zeit vor der eigentlichen Begrundung der Kunstwissenschaft
im 19.Jahrhundert, beginnend mit der Antike. Auf diese Weise
erfahrt der Leser mehr uber die historischen Voraussetzungen
heutiger Diskussionen uber Kunst und erkennt zugleich die
Andersartigkeit der damaligen Kunstbetrachtung. Damit unterscheidet
sich das unter Mitarbeit von 50 renommierten Kunsthistorikern
entstandene Handbuch wesentlich von bisherigen, grossenteils
personen- und sachkundlich orientierten Nachschlagewerken.
Reproduzierbar, leicht transportabel und verteilbar liefert die
Kunstgattung der Portratmedaille fur das 16. Jahrhundert ein
einzigartiges 'Who's who'. Dank der Dauerhaftigkeit des Materials
hat sich eine grosse Anzahl an Medaillen erhalten, insbesondere aus
den ehemals furstlichen Sammlungen wie Munchen, Wien und Dresden.
Ausstellung und Katalog stellen mit rund 200 Beispielen erstmals
umfassend das kulturhistorische Spektrum, die komplexe Medialitat
und die dynamische Geographie der im deutschsprachigen Raum
entstandenen und zirkulierenden Medaillen der Fruhen Neuzeit vor.
Die Welt der Medaillen und der damit verwandten Kleinportrats
bezeugt, inwiefern die 'deutsche Renaissance' als Feld ganz
unterschiedlicher Formen von Wettstreit, Kulturbegegnung und
Medienkonkurrenz betrachtet werden kann.
Mit den neuesten Entwicklungen der Bio-Art verwirklicht sich
scheinbar ein Jahrtausende alter Menschheitstraum - der Traum vom
Kunstler als zweitem Gott und Schoepfer eines eigenen, belebten
Universums. Erstmals treten heute KunstlerInnen mit dem Anspruch
auf, tatsachliche, genetisch veranderte Lebewesen nach ihren
Vorstellungen als Kunstwerke zu erschaffen. Eingeloest scheint, was
zuvor als unerreichbarer Fluchtpunkt kunstlerischen Strebens, als
Beschreibungsmetapher, Modellvorstellung und Qualitatskriterium fur
Kunst galt, dass namlich Kunstwerke 'Lebewesen' sind oder sich doch
am besten durch Konzepte erfassen lassen, die dem Bereich
biologischer Lebensvorgange enstammen. Die Fragen nach der
visuellen Umsetzung von Theorien und Topoi des 'lebenden
Kunstwerks' in ihrer historischen Entwicklung bestimmen dieses
Buch: In welchen Formen vollzieht sich der kunstlerischer
'Belebungs'-Akt? Wie wird das 'Leben' nicht nur an die Bildwerke
heran-, sondern hineingetragen? Wo liegen die Bedingtheiten der
Artefakte und mit welchen Mitteln werden sie versuchsweise
uberschritten? Schliesslich: Wie verandert sich auf Seiten des
Betrachters die Wahrnehmung eines derart die Grenzen von Kunst und
Leben in Frage stellenden Objekts? In jedem Fall erfolgt eine
solche visuelle Aktualisierung von 'Lebendigkeit' im Kunstwerk
stets in Verbindung mit geschlechtsspezifischen
Konzeptualisierungen des 'Lebens': In den Vorstellungen uber die
Kreativitat des Kunstlers/der Kunstlerin und der Wirkung des
Kunstwerks werden biologische Prozesse, gendering und kunstlerische
Schoepfung aufeinander projiziert.
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